COMO CREAR UNA IMAGEN ISO

Buenas... 

Bueno a lo que vinimos,aca les quiero dejar un aporte para todas aquellas personas que sean nuevos en lo que es descargar un juego por partes o que no saben que es una imagen iso, cue y bin los cuales se encuantran en muchas descargas… 

Mucho de ustedes descargan un juego luego de hacer se preguntan ¿que ago? ¿que es una imagen iso? ¿no se que hacer?… bueno son las preguntas mas frecuentes que se hacen (lo digo porque he visto ha muchas personas hacerlo). 









Bien Primero que nada les dire que es una imagen iso: una imagen iso es donde se almacenan una copia o imagen exacta de un fichero que es normalmente un disco compacto ( CD, DVD entre otros).

Bien Ya que tenemos la explicacion (RESUMIDA) de lo que es una imagen iso… pasaremos a la explicacion de como montarla para la intalacion. 

Una ves que ayas terminado la descargar te conseguiras los archivos que generalmente son WINRAR claro es el programa mas conocido, mas usado y confiable… bueno sigamos! una ves ayas terminado de descargar el juego ( bien sean 1, 2, 3, 4, o 5 partes) vas asia donde las guardaste al momento de descargarlas y le das doble click en la primera parte (si son varias partes, ya que si es una sola logico le das doble click a esa =P) bien… una ves abierto el archivo descargardo te encontraras con la imagen iso. que es como una hoja en blanco o tambien puede pareces un CD o disco como le kieran llamar. seleccionamos ese archivo y le damos click derecho y le damos donde dice “EXTRAER EN LA CARPETA ESPECIFICADA” o si es en ingles “EXTRACT HERE” una ves que le das en extraer en la carpeta especificada te abrira una ventana 

LO MAS RECOMENDADO ES EXTRAERLO EN EL ESCRITORIO YA QUE ES MAS FACIL DE UBICAR 

OK! Una ves que ya sea extraido la imagen para montarla utilisamos los programas llamados DAEMON TOOLS, ALCOHOL 120% Entre Otros.

Lo único que necesitas para poder hacer una imagen ISO es una unidad óptica, un programa compatible, y espacio en tu disco duro. Los CDs más comunes necesitan un promedio de 700 MB (aunque hay más grandes), mientras que los DVD pueden demandar hasta 4.5 GB los de capa simple, y 8.4 GB los de capa doble. 
Tener una plataforma Windows no es bajo ninguna circunstancia una necesidad para crear una imagen ISO. Hay excelentes programas para plataformas Linux y Mac OS que pueden hacer exactamente lo mismo. Sólo por cuestiones de difusión, usaremos un programa bajo Windows: ImgBurn. 

La última versión de ImgBurn inicia con un asistente que te ofrece varias opciones. La que debes escoger para crear una imagen ISO es Create image file from disc. Espera un momento a que ImgBurn reconozca la unidad óptica. Si todavía no has colocado el disco, hazlo ahora. ImgBurn detectará que has insertado un disco, y a la derecha mostrará varios datos. Lo único importante que debes especificar es dónde será guardada la imagen. Puede ser en cualquier parte, siempre y cuando haya espacio suficiente. Una vez que hayas elegido una ubicación, sólo debes hacer clic en Read, y el programa comenzará a crear una imagen ISO. El tiempo estimado depende principalmente de cuántos datos hay en el disco, pero factores como la unidad óptica o la marca del CD/DVD pueden tener influencia. 

Percuciones Lo mas nuevo en la Orquesta

Un instrumento de percusión es un tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser golpeado o agitado. Es, quizá, la forma más antigua de instrumento musical.

La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usen para golpear algunos de los instrumentos de percusión.

Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam entre otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono). Suele acompañar a otros con el fin de crear y mantener el ritmo.

Clasificacion

Los instrumentos de percusión pueden clasificarse en dos categorías 

• De altura definida: Los que producen notas identificables. Es decir, aquellos cuya altura de sonido está determinada.
  Algunos son: el timbal, el xilófono, el vibráfono, la campana, la campana tubular, los tambores metálicos de Trinidad.

• De altura indefinida: Aquellos cuyas notas no son identificables, es decir producen notas de una altura indeterminada.
  Entre ellos están: el bombo, la caja, el cajón, el afuche, las castañuelas, las claves, el cencerro, el címbalo, el güiro, la matraca, la zambomba, el vibraslap, la tuntaina.

En las orquestas se suele diferenciar entre:

• Percusión de parche
• Percusión de láminas
• Pequeña percusión

Según otro criterio, se pueden clasificar en tres categorías que son:

• Membranófonos, que añaden timbre al sonido del golpe,
• Idiófonos, que suenan por sí mismos, como el triángulo.
• Placófono, placas metálicas que entrechocan.

Esta clasificación tampoco es estricta, por ejemplo, la pandereta es un membranófono y un idiófono porque tiene ambos, en la piel y en los cascabeles.

Percuciones y Orquesta

 Tico tico no Fuba

Mambos de Perez Prado

Conga Del Fuego Nuevo

El Violin en la Musica Clasica

El violín (etimología: del italiano violino, diminutivo de viola o viella) es un instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas afinadas por intervalos de quintas: sol₂, re₃, la₃ y mi₄ (según el índice acústico Franco-Belga). La cuerda de sonoridad más grave (o "baja") es la de sol₂, y luego le siguen, en orden creciente, el re₃, la₃ y mi₄. En el violín la primera cuerda en ser afinada es la del la; ésta se afina comúnmente a una frecuencia de 440Hz, utilizando como referencia un diapasón clásico de metal ahorquillado o, desde el siglo XX, un diapasón electrónico. En orquesta y agrupaciones el violín suele ser afinado a 442Hz, ya que las condiciones del medio como la temperatura, o la progresiva destensión de las cuerdas hace que éstas se desafinen, y para compensarlo se afinan algo por encima. El cuerpo del violín posee una forma abombada, con silueta estilizada determinada por una curvatura superior e inferior con un estrechamiento a la cintura en forma de C. Las tapas del violín se modelan con suaves curvas que proporcionan la característica de abovedado. Los aros, que van alrededor del violín dando la silueta, son de poca altura, el mástil posee cierto ángulo de inclinación hacia atrás respecto al eje vertical, longitudinal y se remata por un caracol llamado voluta. La estructura interna del violín la constituyen dos elementos fundamentales en la producción sonora del instrumento dados por la barra armónica y el alma. La barra armónica corre a lo largo de la tapa justo debajo de las cuerdas graves y el alma está ubicada justo debajo del pie derecho del puente donde se ubican las cuerdas agudas.

Las partituras de música para violín usan casi siempre la clave de sol, llamada antiguamente "clave de violín". El violín no posee trastes, a diferencia de la guitarra. Es el más pequeño y agudo de la familia de los instrumentos de cuerda clásicos, que incluye la viola, el violonchelo y el contrabajo, los cuales, salvo el contrabajo, son derivados todos de las violas medievales, en especial de la fídula.

En los violines antiguos las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser también de metal o de tripa entorchada con aluminio, plata o acero; la cuerda en mi, la más aguda -llamada cantino- es directamente un hilo de acero, y, ocasionalmente, de oro. En la actualidad se están fabricando cuerdas de materiales sintéticos que tienden a reunir la sonoridad lograda por la flexibilidad de la tripa y la resistencia de los metales.

El violín en la orquesta:

Durante el renacimiento en las orquestas de Músicos como Monteverdi y Vincenzo Galilei (el padre de galileo), el violín estaba relegado a funciones de color, ya que se imponía la familia de las violas da gamba y da bracchio, es en el barroco con los avances de los lauderos cremoneses y las innovaciones de la escuela napolitana y veneciana donde la familia del violín empieza a suplir a las violas, al tener mas potencia y capacidad tonal.
El paso decisivo en la orquesta viene en el clásico con la escuela de Manehim y la orquesta de Stamitz que tiene un número definido de cuerdistas, alientos y percusiones, que permitieron los avances sinfónicos posteriores; se incrementó el numero de integrantes en función de equilibrio al color de los metales nuevos (clarinetes, trompetas cornos de llaves). Con las nuevas orquestaciones encabezadas por Berlioz y los modernistas de su epoca se incrementaron mas las cuerdas.

Las cuerdas es la base de toda orquesta, soportan el peso armonico.
La orquesta sinfónica generalmente tiene 12 a 14 violines 1ºs, igual en 2ºs, 12 violas, 10 cellos y de 5 a 8 contrabajos.

Obras para Violin:

Presto from Summer (A. Vivaldi)

Concierto en D Mayor (Tchaicovsky)

Capricho 5 (N. Paganini)

Mexico en la Musica Clasica

La música mexicana durante el siglo XIX se vio sometida a las mismas influencias que en el resto del mundo occidental. Autores destacados son José María Bustamante, Ignacio Ocadiz, Eduardo Gavira, Octavio Yáñez, Ángel J. Garrido y Tomás León. El compositor Melesio Morales fue un incansable promotor de la cultura y la música en el país. Macedonio Alcalá fue un violinista, pianista y compositor recordado hoy en día especialmente por su vals "Dios nunca muere".

Durante la era porfiriana, los compositores crearon piezas orientadas principalmente a satisfacer las necesidades de la clase acomodada, esto se reflejó en un gusto por música para bailar, especialmente valses y polcas. El exponente más conocido es Juventino Rosas y su obra más conocida, Sobre las olas, evoca los valses vieneses al grado de que se le llegó a negar la autoría por considerarse que un mexicano no estaba a la altura de los compositores europeos. Otros compositores mexicanos de este período son Felipe Villanueva (1863-93), Ernesto Elorduy (1853-1912), autor de exquisitas mazurcas que mezclan la forma tradicional polaca con melodías de tipo hispano-mexicano, y Ricardo Castro (1864-1907), que compuso las primeras sinfonías y conciertos (para piano y para violonchelo) del México moderno.

Compositores más jóvenes, como José Rolón (1876-1945) y Manuel M. Ponce (1882-1948), continuaron con un estilo más bien romántico, pero poco a poco transitaron —también por influencia europea— hacia un lenguaje modernista que exploraba por primera vez las combinaciones politonales y neomodales, aunque con un sentido tradicional del empleo de los instrumentos. A Ponce se debe, en particular, parte del repertorio mexicano más representativo de la época, para piano y para guitarra, instrumento al que contribuyó en su desarrollo moderno gracias a una directa colaboración con el concertista español Andrés Segovia.

El primer compositor mexicano que emprendió investigaciones dirigidas a la organización tonal y la división de la escala en intervalos más pequeños que el semitono, fue Julián Carrillo (1875-1965), que escribió numerosos tratados musicales y publicó su teoría con el nombre de Sonido 13. Para él, los sonidos se pueden dividir en mitades de semitono (cuartos), mitades de mitades de semitono (octavos), etc., pero también en cualquier otra fracción racional (sextos, novenos, treceavos, etc.), y por ello creó también sus propios instrumentos musicales (pianos y arpas, especialmente) y compuso un amplio repertorio. Asimismo, compuso obras microtonales para coro y cuatro óperas. Augusto Novaro fue un compositor y teórico que igualmente indagó en las posibilidades del microtonalismo, aunque su labor es mucho menos difundida, estudiada y reconocida.

Al mismo tiempo, en un ambiente cultural que buscaba encontrar y exaltar las raíces nacionales mexicanas, posterior al triunfo de la revolución mexicana, nació una corriente de compositores nacionalistas que crearon con base en temas musicales folclóricos y populares. Algunos de ellos combinaron estos temas con técnicas modernas, como polirritmia, modalismo y atonalismo. Los compositores más sobresalientes de este periodo son Candelario Huízar (1883-1970) —que produjo obras de marcado estilo mexicano, pero sin recurrir a la cita textual de temas populares—, Carlos Chávez (1899-1978) —cabeza visible del movimiento nacionalista y creador de la Orquesta Sinfónica de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes— y Silvestre Revueltas (1899-1940) —considerado frecuentemente como el compositor más representativo y con más talento de su generación.

También destaca el llamado «Grupo de los cuatro», formado por Blas Galindo (1910-93), quien utilizó temas tradicionales como los sones de mariachi y que dejó también un amplio catálogo de música politonal y atonal; José Pablo Moncayo (1912-58) quien utilizó sones tradicionales veracruzanos para crear una de las obras sinfónicas mexicanas más conocidas, Huapango (1940); Salvador Contreras (1910-82), autor de música sinfónica y de cámara, tonal y después atonal, en un estilo más personal y desarrollado. Paulino Paredes (1913-1957) es conocido por su poema sinfónico Cañón Huasteca (1956), un ejemplo de tardío impresionismo descriptivo. Otros compositores de ésta época son Eduardo Hernández Moncada (1899-1995), Luis Sandi (1905-96) y Miguel Bernal Jiménez(1910-56).

Cabe indicar que esta corriente, al igual que otras ramas culturales del México pos-revolucionario, tuvo gran apoyo gubernamental, lo que opacó movimientos alternativos. El mismo fenómeno se dio en la pintura con el muralismo y en la literatura, con la novela revolucionaria.

En la península de Yucatán se formó un grupo de compositores, que proyectó un desarrollo de ópera regional: Gustavo Río Escalante, Fausto Pinelo Río, Cornelio Cárdenas Samada, Arturo Cosgaya Ceballos, Efraín Pérez Cámara y el músico noruego Halfan Jebe, quien residió en Mérida, Yucatán, y se desempeñó no sólo como músico sino como maestro del Conservatorio.

Musicos mas Destacados de Mexico:

Macedonio Alcala

Ricardo Castro 

Manuel M. Ponce 

Silvestre Revueltas

Jose Pablo Moncayo

Blas Galindo 

Arturo Marquez

Juventino Rosas

Obras mas Destacadas:

Sobre Las Olas (J. Rosas)

Sones de Mariachi (B. Galindo)

Danzon 2 (A. Marquez)

Huapango(J.P. Moncayo)

Los Virtuosos

La personalidad del "virtuoso" se caracteriza desde la infancia o en un primer contacto con un instrumento musical, por una extrema y no común facilidad para ejecutar o tan solo interpretar la música, muchas veces sin un bagaje teórico, en géneros asociados a una espontánea vena creativa.


A lo largo de la historia se han dado varios caso de virtuosismo al ejecutar un instrumento musical   
por ejemplo:


NICCOLO PAGANINI  (El Mejor Violinista de la Historia)
Niccolò Paganini Bocciardo, (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840) fue un violinista, violista, guitarrista y compositor italiano, considerado entre los más famosos virtuosos de su tiempo, reconocido como uno de los mejores violinistas que hayan existido, con oído absoluto y entonación perfecta, técnicas de arco expresivas y nuevos usos de técnicas de staccato y pizzicato.










Franz Liszt (El 2do Mejor Pianista de la Historia Y el mas Virtuoso)

Franz Liszt (Raiding, Imperio austríaco, 22 de octubre de 1811 – Bayreuth, Imperio alemán, 31 de julio de 1886) fue un compositor húngaro romántico, un virtuoso pianista y profesor. Su nombre en húngaro era Liszt Ferencz,según el uso moderno Liszt Ferenc,y desde 1859 hasta 1865 fue conocido oficialmente como Franz Ritter von Liszt.

Liszt se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y quizás el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes, en particular de Richard Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg y Aleksandr Borodín.

Como compositor, fue uno de los más destacados representantes de la «Nueva Escuela Alemana» («Neudeutsche Schule»). Compuso una extensa y variada cantidad de obras para piano (rapsodias, estudios, transcripciones, etc.), en estilo concertante para piano y orquesta y también una extensa producción orquestal. Influyó a sus contemporáneos y sucesores y anticipó algunas ideas y tendencias del siglo XX. Algunas de sus contribuciones más notables fueron la invención del poema sinfónico, desarrollando el concepto de transformación temática como parte de sus experimentos en la forma musical, y hacer desviaciones radicales en la armonía.

Al ser virtuosos sus obras se caracterizaban por tener un alto grado de dificultad.Estas son algunas de las obras mas famosas de estos 2:

Rapsodia Hungara N°2

La Campanella 

La Campanella (Transcripcion)

Capricho 24

Libestraum

Capricho 13

Aqui les dejo el link para descargar las partituras de estos 2

Partituras de Paganini de la A a la Z

Partituras de Liszt de la A a la Z

Los Grandes de La Música Clásica

Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, (Salzburgo, Austria; 27 de enero de 1756 – Viena, Austria; 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la categoría de mito.

En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto». Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años.

Obras mas destacadas:

Las Bodas de Figaro

Las bodas de Fígaro (título original en italiano, Le nozze di Figaro) es una ópera bufa en cuatro actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte, basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, Le mariage de Figaro. Fue compuesta entre 1785 y 1786 y estrenada en Vienael 1 de mayo de 1786 bajo la dirección del mismo compositor.

Pequeña Serenata Nocturna "Serenade N°13"

La Serenata n.º 13 para cuerdas en sol mayor, más conocida como Eine Kleine Nachtmusik ('Una pequeña tonada nocturna', 'Una pequeña serenata' o 'Pequeña serenata nocturna'), K. 525, es una de las composiciones más populares de Wolfgang Amadeus Mozart. Está fechada en Viena el 10 de agosto de 1787, coincidiendo con la composición de la ópera Don Giovanni. Sin embargo, no se sabe para quién o por qué Mozart la compuso.

Tiene 4 movimientos:

1.-Allegro

2.-Romance Andante

3.-Menuetto Allegretto

4.-Rondo Allegro

  Pequeña Serenata Nocturna

Sinfonia N°25 

La Sinfonía n.º 25, en sol menor, K. 183/173dB, fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart luego del exitoso estreno de su ópera seria Lucio Silla. Tan pronto como regresó a Salzburgo, compuso la Sinfonía n.º 24 en si bemol mayor (terminada el 3 de octubre de 1773) y tan solo dos días después anotó que había terminado la n.º 25 (5 de octubre). Algunos ponen en duda que esto sea cierto, y que Mozart haya escrito dos sinfonías completas la misma semana. El primer movimiento se utilizó en la secuencia inicial de la película Amadeus de Miloš Forman.

Tiene 4 Movimientos

1. Allegro con brio.
2. Andante.
3. Minuetto.
4. Allegro.

Sinfonia N°25

Sinfonia 40

La Sinfonía n.º 40 en sol menor, K. 550, es una sinfonía de Wolfgang Amadeus Mozart, que finalizó su composición el 25 de julio de 1788. Es la penúltima sinfonía del célebre compositor.Se la llama "gran" sinfonía en sol menor para distinguirla de la "pequeña", la n.º 25, también compuesta en sol menor. Estas dos son las únicas sinfonías que compuso Mozart en modo menor, quizás con la única excepción de una temprana sinfonía en la menor, de autenticidad discutida, descubierta recientemente y conocida como la Sinfonía Odense.

Tiene 4 movimientos:

1. Molto allegro
2. Andante
3. Menuetto:
4. Allegro assai

Sinfonia 40

Requiem

La Misa de Réquiem en re menor, K. 626, es una obra de Wolfgang Amadeus Mozart basada en los textos latinos para el Réquiem, es decir, el acto litúrgico católico celebrado tras el fallecimiento de una persona; se trata de la decimonovena y última misa escrita por Mozart. Mozart murió antes de terminarla, en 1791.

Estructura

I.Introitus (Introito):

• Réquiem æternam (Dáles el Descanso Eterno, Señor)

II.Kyrie eleison (Señor, ten Piedad)

III.Sequentia (Secuencia)

• Dies iræ (Día de Ira)
• Tuba mirum (Magnífico Sonido de Trompeta)
• Rex tremendæ maiestatis (Rey de Tremenda Majestad)
• Recordare, Iesu pie (Recuerda, Jesús Piadoso)
• Confutatis maledictis (Confundidos los Malditos)
• Lacrimosa (Día de Lágrimas Aquel)

IV.Offertorium (Ofertorio)

• Domine Iesu Christe (Señor Jesucristo)
• Hostias et preces (Sacrificios y Preces)

V.Sanctus (Santo, Santo, Santo)

VI.Benedictus (Bendito)

VII.Agnus Dei (Cordero de Dios)

VIII.Communio (Comunión)

• Lux æterna (Luz Eterna)

Aqui les dejo el limk de todas sus partituras:

Partituras de mozart de la A a las Z

Ludwig Van Beethoven:

Ludwig van Beethoven fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior.

Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y piano),vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante (cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y orquestal (nueve sinfonías, oberturas, etc.), entre las que se encuentra el ciclo de las Nueve Sinfonías, incluyendo la Tercera Sinfonía, también llamada Eroica, en mi♭ mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena Sinfonía, en re menor (cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita por Friedrich von Schiller en 1785).

Dato curioso:
Beethoven comenzó a quedarse sordo después de componer su primera sinfonía en 1801 y para después de la octava sinfonía había perdido totalmente el sentido del odio, esto quiere decir que la novena sinfonia (Su sinfonia mas famosa y la que tiene mayor grado de dificultad) nunca la escucho y la compuso totalmente sordo lo que para algunos de los mas grandes músicos era Imposible por el grado de dificultad musical que tiene.   

Obras mas Destacadas:

-Sonata N° 8 para Piano "La Patetica" en C menor op.13
La Sonata n.º 8 en do menor, Op. 13 de e Ludwig van Beethoven fusubtitulada "Pathétique" por el editor. Fue publicada en 1799, y escrita entre 1798 y 1799, cuando Beethoven tenía 27 años. Beethoven dedicó el trabajo a su amigo el Príncipe Karl von Lichnowsky.
La Sonata Tiene 3 Movimientos:

1. Grave; allegro di molto e con brio.
2. Adagio cantabile.
3. Rondo: allegro.

-Sonata n° 14 para Piano "Quasi una Fantasia, Claro de Luna" en C Sostenido Menor

La Sonata para piano n.º 14 en do sostenido menor "Quasi una fantasia", Op.27, n.º 2, de Ludwig van Beethoven, popularmente conocida como Claro de luna, es una de las obras más famosas del autor, fue compuesta en 1801 y estuvo dedicada a su alumna, la condesa Giulietta Guicciardi, de 17 años, y de quien se decía que estaba enamorado.

La Sonata Tiene 3 Movimientos:

1. Adagio sostenuto
2. Allegretto
3. Presto agitado                                                                                                                              
 

 

-Sinfonía n° 3 "Eroica"en E bemol Mayor 

La Sinfonía n.° 3 en Mi bemol mayor Op. 55 de Ludwig van Beethoven, conocida como Heroica (Eroica en italiano), es una obra considerada por muchos como el amanecer del romanticismo musical, puesto que rompe varios esquemas de la tradicional sinfonía clásica. Estuvo inicialmente dedicada a Napoleón Bonaparte.

La Sinfonía Tiene 4 Movimientos:

• Allegro con brio
• Marcia funebre (Adagio assai)
• Scherzo (Allegro)
• Finale (Allegro molto–Poco andante–Presto)

Beethoven 3ra Sinfonia "Eroica" 1er Movimiento

-Sinfonía n°5 en C menor 

La Sinfonía n.º 5 en do menor, Opus 67, de Ludwig van Beethoven fue compuesta entre 1804 y 1808. Esta sinfonía es una de las composiciones más populares y conocidas de la música clásica y una de las sinfonías más interpretadas.

La Sinfonía Tiene 4 Movimientos:

1. Allegro con brio
2. Andante con moto
3. Scherzo. Allegro
4. Allegro                               

                                    Beethoven 5ta Sinfonia 

 

-Sinfonía n°9 "Choral, Ode the Joy, Himno a la Alegría" en D menor

La Sinfonía n.º 9 Op. 125 en re menor es la última sinfonía completa del compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y popular en toda la música clásica, y también de toda la música y del arte, ademas es la sinfonia mas larga de la historia. Su último movimiento es un final coral sorprendentemente inusual en su época que se ha convertido en símbolo de la libertad. También destaca por ser la única composición musical de la historia declarada patrimonio de la humanidad por la Unesco.

 La Sinfonia Tiene 4 Movimientos y 21 Submovimientos:

• 1. Allegro ma non troppo, un poco maestoso
• 2. Scherzo: Molto vivace - Presto
• 3. Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo
• 4. Recitativo: (Presto – Allegro ma non troppo – Vivace – Adagio cantabile – Allegro assai – Presto: O Freunde) – Allegro assai: Freude, schöner Götterfunken – Alla marcia – Allegro assai vivace: Froh, wie seine Sonnen – Andante maestoso: Seid umschlungen, Millionen! – Adagio ma non troppo, ma divoto: Ihr, stürzt nieder – Allegro energico, sempre ben marcato: (Freude, schöner Götterfunken – Seid umschlungen, Millionen!) – Allegro ma non tanto: Freude, Tochter aus Elysium! – Prestissimo, Maesteoso, Prestissimo: Seid umschlungen, Millionen.

Beethoven 9na Sinfonía 4to Movimiento

Aqui les dejo el Link para descargar sus todas partituras:
Partituras de Beethoven